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Begun 25 years ago, ARTMEDIA will bring its work to a conclusion with its tenth edition international colloquium, under the direction of Mario Costa and Fred Forest. The colloquium will take place in Paris on Friday, 12th December at the Mauriac site of the Bibliothèque Nationale de France (BNF) and Saturday, 13th December, 2008 in the auditorium of the Institut National d’Histoire de l'Art (INHA).
Leonardo/Olats is responsible for the colloquium website and the online publication of the proceedings.
The Institut National de l’Audiovisuel (INA) and L'Harmattan are the publishers of the print edition of the proceedings.
Video recordings of the presentations will be made available at the BNF and the INA.
Présentation du colloque :
Éthique, esthétique, communication technologique ou le destin du sens
Etica, estetica, comunicazione tecnologica : il destino del senso
Ethics, Aesthetics, Techno-communication: The Future of Meaning
We have called upon specialists from many different fields to offer their reflections at a wide-ranging colloquium whose specific themes have been deliberately left open in order to give each participant full freedom to offer his or her own unique points of reference. It should be noted, however, that the general theme of the colloquium encompasses a number of issues that have been examined in one way or another by Artmedia since its inception. Indeed, the issues that have been at the core of each of the nine preceding editions of Artmedia can all be placed under the general heading of the relationship between ethics and esthetics.These topics of investigation and critical reflection have yet to be exhausted and remain open-ended. It is our intention to wrap up our work at Artmedia by focusing our attention on a general theme of critical importance to the present and future evolution of art in our society.

« Supposing that there is such a thing as art, then where is the proof of its influence, the tangible proof of any influence whatsoever on its part? » asked Nietzsche in 1878 (Human, All Too Human, I, 22). Forty years later, Gabo, one of the artists most imbued with the spirit of modernity, wondered: « What contribution does art make to the current era of human history? » (Manifesto of Realism, 1920). More recently, a great public controversy in France near the end of the 1990s called contemporary art into question—a controversy whose chief merit was to once again raise the same sort of questions. Nonetheless, before we go off in search of hypothetical proof of art’s « influence » we must first bluntly ask an equally radical question:


What does art matter in our world?
A question of this order has been raised numerous times with respect to modern art (Ortega, Berdyaev, Sedlmayr, Thode, Bloch, Ellul…) and continues to be raised even more frequently in our day in reference to contemporary art by critics (Baudrillard, Virilio, Clair, Hartford…, and even more recently by Michel Gauthier, in Fresh Théorie, II, 2006 and Elisabeth Wetterwald in 20/27, n.1, 2007) who have gone as far as to describe it in terms of « vapidity, » « solitude, » « absence », « nothingness, » « nullity »….

Indeed, what do the “quasi-pathological” workings of the art market and the broader “art system” matter to the 2 million artists worldwide who inhabit the terrain of contemporary art in light of the various theoretical positions that prompt us to rethink the history of art (Belting, Danto…)? What does the upheaval caused by so many new technologies, and by the artists who work with them, matter? What do the vast sums of money invested in contemporary art by public institutions on the basis of the speculated present and future worth of works matter? Should we, like Gabo, simply keep asking what contribution art—in this case, « contemporary art »—makes to the current era of human history? What does the ethics of social responsibility matter to the increasingly cynical “system” that has filled our public spaces with the dubious output of contemporary art, all with the help of taxpayer money? In a time when cynicism and business as usual have spoiled and rendered obsolete our quaint idea of democracy, what potential does artistic practice still have restore life and meaning to the public arena?

Furthermore, is it true that the products and practices making use of new technologies have the potential to open up new frontiers for the rejuvenation of art? Is one to believe that esthetic and ethical tensions will be resolved solely by virtue of better communication, as the promoters of networked products and practices seem to suggest?

Do today’s artists still have the capacity to symbolize, which has always been seen as one of the most basic functions of art?
Ultimately, does meaning still matter in our world?
The time has come to think more deeply about such issues and to ask ourselves big questions in which the esthetic, the ethical, the pragmatic, and the philosophical are inextricably bound together.

Conférence Ezio Manzini le 9 octobre à 18h30
Dans le cadre des "Rencontres des Ateliers", Ezio Manzini donnera une conférence, en anglais, sur le thème "Nouvelles tendances - Conception de réseaux pour un développement durable".
Ezio Manzini est professeur de Design Industriel au Politecnico de Milan, où il dirige l'unité de recherche de Design et Innovation vers un développement durable. Il est coordinateur du Doctorat en Design. Ses travaux sont centrés sur le design stratégique, de service, sur le développement durable et l'innovation sociale appliquée à la vie quotidienne. Connu en France pour son ouvrage " La matière de l'invention ", éditions du Centre Pompidou (2001), il a depuis publié de nombreux ouvrage dont le dernier, écrit en collaboration avec François Jégou, "Collaborative services. Social innovation and design for sustainability, Polidesign, Milano (2008).
Cette conférence est organisée avec le soutien de l'agence THEMA-DESIGN
Le 9 octobre 2008 à 18h30, espace Viénot 2 à l'ENSCI

Conférence Romain Ferrari et Hérvé Naillon le 16 octobre à 18h30
Dans le cadre des "Rencontres des Ateliers", Romain Ferrari et Hervé Naillon donneront une conférence sur le thème de l'écologie industrielle : stratégie de durabilité, dématérialisation de l'économie.
Romain Ferrari est co-directeur de l'entreprise qui porte son nom. « Celle-ci réalise la moitié de son activité dans le domaine de la protection solaire (grands stores extérieurs) et des bâches pour les transports, notamment les camions. L'autre moitié des tissus techniques fabriqués est utilisée pour mettre en oeuvre les structures itinérantes destinées à la location» (Les Échos, n° 18271, 2000).Hérvé Naillon (h.naillon@lesinventeurs.fr), co-auteur de l'ouvrage « Le marketing éthique » (édition Village mondiale, 2002) a crée une coopérative de conseil en développement durable Les Inventeurs(Graphisme, éco-design, prospective et stratégie) et un réseau de partenaires pour développer une approche systémique des enjeux environnementaux et sociaux. Les Inventeurs accompagnent le groupe Ferrari dans sa stratégie d'écologie industrielle appliquée.
Le 16 octobre 2008 à 18h30, espace Viénot 2 à l'ENSCI

Does today exist a “social responsibility of art and artists”? What is their identity? How is their way of expressing it? What is the role of contemporary artists within the context in which they work? Is there any ethical commitment of the artist and the curator? Does the approach to social context help arts?

Conference and roundtable with

MARIO CASANOVA (CACT Centro d'Arte Contemporanea Ticino, Switzerland)
FRANCESCA DE FILIPPI (Exibart, Puglia)
DANIELE FRACCARO (RelazionArti, Turin)
DORES SACQUEGNA (PrimoPiano Livingallery, Lecce)
CRISTINA VIOLA (DayDreaming Magazine, Trieste)
MASSIMO VITANGELI (Artist, Professor at Academy of Arts, Urbino)
ANTONIO ZIMARINO (I Colori del Territorio, Spoltore - Pescara)

Teatro della Società Operaia di Spoltore (Pescara)
Saturday 21 june 2008 at 6 pm

These event have been produced by I Colori Del Territorio, Spoltore (Pescara) in collaboration with

CACT Centro d'Arte Contemporanea Ticino, Switzerland
DayDreaming Project, Trieste
PrimoPiano Livingallery, Lecce
Associazione RelazionArti, Turin

For further information, please contact

Antonio Zimarino
Via Del Santuario 55
I- 65124 Pescara
Phone +39 085 421 76 98
Mobile +39 333 700 49 32
arthinker@libero.it

photo : Manifest Destiny, 2004

Alexis Rockman, né en 1962 à New York, est représenté par la galerie Leo Koenig.
Les peintures de cet artiste américain contemporain dépeignent la relation précaire entre l'homme et la nature. Formé à la School of Visual Arts, ses oeuvres sont riches en information sur la manière dont notre culture perçoit et interagit avec les plantes et les animaux, ainsi que le rôle que joue la culture en influant sur l'histoire naturelle. Alexis Rockman propose une vision prospective des conséquences à long terme du changement climatique et des biotechnologies. Pour construire ces représentations avec exactitude, l’artiste collabore avec des scientifiques. Alexis Rockman vit et travaille à New York.

Alexis Rockman explore notre contrat biologique et notre relation historique avec l’environnement et son évolution. Son objectif est de réconcilier les politiques et les comportements humains avec un contrat biologique juste qui noue lie à l’environnement. L’artiste conçoit son travail en réponse aux deux plus importants problèmes de la planète, que sont le réchauffement climatique et la révolution biotechnologique.

Nombres de ses toiles illustrent le futur probable de lieux symboliques. Comme Hollywood en 2005, Manifest Destiny, 2004, illustre les conséquences de la révolution industrielle 3000 ans dans l'avenir. En concertation avec des experts dans divers domaines, Alexis Rockman illutre lefutur de New York avec des animaux et des plantes tropicales, et les résultats de manipulations génétiques. Cette oeuvre fut d'abord la exposée d'avril à septembre 2004 au Brooklyn Museum of Art de Brooklyn à New York.

galerie en ligne : ICI


Hollywood, 2005

photo : Sans titre, accumulation de feuilles triées par couleur

Ici, dans le cadre d’une série d’installations réalisée autour d’un trou, les feuilles d’arbre ramassées sur le site sont classées par couleur en spirale. Un travail similaire a été réalisé avec des pierres. Cette organisation éphémère de l’espace suscite une impression de feu, que renforcent les mouvements des feuilles dans l’air sur le site.

Artiste et photographe britannique né en 1956, il habite le village de Penpont dans le Dumfriesshire (Écosse) où il a installé son atelier dans un ancien grenier en pierre. Il a étudié au Bradford College of Art (1974-75) et au Preston Polytechnic (1975-78). Sur la base d’une poétique issue du Land Art, Andy Goldsworthy adopte une démarche créative inverse au rapport traditionnel de l’art à la nature : au lieu d’introduire de l’artificiel dans le naturel, il introduit du naturel dans un art intégré à la nature. En somme, il rend l’art à la nature. Cette opération digne d’un chaman suit la méthode suivante : Andy Goldsworthy crée in situ. Il installe ses œuvres dans des environnements naturels, et ses sculptures sont constituées de matériaux naturels, trouvés sur place. Puis il les travaille avec ses mains ou de la salive, et ce n’est qu’en de très rares occasions qu’il utilise des outils ou des machines. Ensuite elles sont laissées à leur devenir naturel, processus qui inéluctablement détruira ces œuvres éphémères.
Andy Goldsworthy ne cherche pas à marquer le paysage mais à travailler instinctivement avec lui, en harmonie avec la nature. Dans ce processus transparaît la volonté de concevoir l’art en harmonie avec la nature, non plus seulement dans ses formes, ses matières ou son implantation, mais tout bonnement en laissant la nature donner vie aux œuvres et les faire disparaître. Le temps, et la mortalité, sont des caractéristiques de la vie et de la nature que l’art seul ne peut acquérir. En donnant ainsi ses œuvres au temps, Andy Goldsworthy met en évidence une émotivité spécifique avec une tonalité légère et libre.
Son oeuvre est extrêmement diffusée, elle est notamment entrée dans les collections du San Francisco Museum of Modern Art. Un documentaire intitulé Rivers and Tides lui a été consacré par le réalisateur allemand Thomas Riedelsheimer en 2001, avec une musique composée pour l'occasion par le compositeur-guitariste Fred Frith. Ce documentaire a été diffusé en France par la chaine ARTE.


Roadsworth, sculpture de glace
voir son catalogue en ligne : ICI

© Claire Boucl, Installation , pétales de fleur, Longchamp, juillet 2007.

Les plus récents travaux de philosophie esthétique s’inquiètent du devenir de l’art dans une civilisation de l’image où les critères esthétiques se sont diffusés à l’ensemble de la société. Pensons par exemple à la description de la dissolution de l’art dans l’esthétique omniprésente décrite par Yves Michaud dans L’art à l’état gazeux. La moindre des productions de concommation, telles qu’un mixer, est conçue avec des designers, esthétisée dans sa forme et esthétiquement valorisée par les campagnes marketing qui en soutiennent la vente. Dans un tel contexte pourtant, les domaines traditionnels de l’esthétique que sont l’art et la nature conservent leur intérêt : le désintéressement, la mise en avant de l’expérience et de l’être au lieu de l’avoir, et une importante tradition culturelle qui donne du relief à ces expériences.
Malgré de très importantes différences entre l’expérience esthétique de la nature et celle développée par les arts au fil de leur histoire, ces deux expériences tendent à se rejoindre et à se conforter dans l’art actuel. Si ce rapprochement répond au besoin de valoriser les expériences esthétiques traditionnelles, retranscrites dans un langage artistique contemporain, le rapprochement est également motivé par la situation écologique.
L’écologie scientifique a progressivement montré que la nature était avant tout le résultat des relations entre tous ses composants. Ces relations sont dynamiques et complexes. Cette idée modifie de manière suffisamment importante notre perception de la nature pour que l’artiste devienne un médiateur nécessaire du renouvellement de cette perception. Ainsi, lorsque Claire Boucl crée des installations en matériaux naturels, in situ, éphémères ou évolutives, elle nous invite à faire l’expérience d’un environnement dynamique, complexe, riche et fragile. Ces valeurs constituent le fondement de l’expérience esthétique renouvelée et donnent autant de sens à une démarche artistique d’ensemble.

© Claire Boucl, chaussure "pétalisée"

Mais plus encore peut-être, si une partie de l’art contemporain s’éloigne parfois des problématiques de notre société, de nombreux artistes renouent avec la tradition d’un art engagé. Les crises environnementales en cours, principalement caractérisées par le changement climatique et l’érosion de la biodiversité, ne pouvaient pas laisser les artistes indifférents, eux dont une des fonctions historiques est de témoigner des enjeux de leur époque et d’interroger collectivement les choix de société qui les sous-tendent. Claire Boucl s’engage là aussi dans la problématique contemporaine qui vise à concevoir un modèle de développement durable en lieu et place d’un modèle social fondée sur la notion de croissance économique indépendamment de toute autre considération.
Les pétalisations par exemple, sont une intrusion de l’organique et du naturel dans l’expérience quotidienne. Ce procédé permet de « naturaliser » de manière esthétique et poétique le quotidien grâce au capital culturel esthétique des fleurs. Claire Boucl décline cette idée sur les corps humains, les objets usuels comme les environnements semis naturels. Cette invasion florale rappelle que chaque aspect de nos existences est lié dans le grand tout de la nature. Les matières premières et les énergies utilisées pour fabriquer les objets qui deviennent finalement des déchets ne sortent pas des cycles matériels et naturels. Les corps humains sont eux aussi inscrit dans le grand ensemble organique de la biosphère et de ses flux. En les marquant du saut des fleurs, Claire Boucl propose une expérience sensible, ludique et poétique de la réalité écologique du monde.
Les politiques de développement durable ou de protection du patrimoine naturel n’ont de cesse d’insister sur l’éducation et la sensibilisation. L’expérience esthétique et l’art sont historiquement les mieux à même de prendre en charge la sensibilisation aux enjeux qui nous sont contemporains. En parallèle du nécessaire travail de diffusion des connaissances permettant de comprendre les problématiques environnementales, les arts plastiques assurent la mise en place d’une relation sensible et intuitive à ces questions. C’est dans cette perspective que s’inscrit le travail de Claire Boucl qui a relevé le défi de renouer avec la tradition de la place de l’artiste et qui use d’un langage contemporain adapté à son sujet dans une expérience globalisante de la nature.